Un concert en technicolor, habité et électrisé à la Philharmonie de Paris mercredi 21 septembre 2022 par Gautier Capuçon et Klaus Mäkelä à la tête de l’orchestre de Paris. Une merveille. Rien n’y fait : on a beau savoir déjà et depuis plusieurs années, que Gautier Capuçon est aujourd’hui l’un des musiciens les plus accomplis et les plus marquants de la scène française et internationale, on ne peut éviter d’être continuellement impressionné (et pourquoi ne pas le dire « bluffé ») par chacune de ses représentations. Pour ce concert de septembre, dans un programme de vrais « coloristes » (j’y reviendrai) il a donné le très rare Schelomo d’Ernest Bloch, rhapsodie hébraïque pour violoncelle et orchestre de 1916, qui fait partie de la si attachante part hébraïque de l’œuvre de Bloch.

Une élévation spirituelle avouée, le déploiement de lignes mélodiques conçues comme des prières autant que des évocations biographiques du roi Salomon (on est proche du poème symphonique, rehaussé par la geste narrative et symbolique assumée par l’instrumentiste). Une vaste fresque sonore de la légendaire dichotomie d’un personnage biblique, entre pouvoir temporel de pourvoyeur de paix, et charge spirituelle, dépeint en somme dans cette intranquillité du prophète.

Schelomo d’Ernest Bloch, à gauche en 2016 par Jan Vogler et l’orchestre symphonique de la Radio de Francfort dirigé par Eliahu Inbal ; à droite, par Leonard Rose et l’orchestre de Cleveland dirigé par Lorin Maazel. Et deuxième vidéo en bas à gauche, le « teaser » mis en ligne le 21 septembre par la Philharmonie de Paris, avec un extrait de l’introduction par Gautier Capuçon : : 

Ce violoncelliste est, réellement, un magicien des temporalités : c’est ce que ses interprétations de Beethoven auxquelles je suis très attaché, démontrent à merveille. Ici dans « Schelomo », le public était conquis non pas par un exercice de style de pure virtuosité voire par un brio d’énonciation, mais littéralement conduit (certains diront « hypnotisé ») par une faculté à la fois narrative et d’atmosphère, donc en l’occurrence de pure magie : pendant un peu plus de 20 minutes, on était transporté dans une intériorité faite de débats et de tiraillements, et au son de quelques harmoniques, de plongées dans le do grave en bout de course, on était bel et bien conduit quelque part. Capuçon est un musicien musagète, il mène bien les Muses de la musique dans un dédale puis un chemin de lumière, et nous emporte dans le même élan. « Now I’ve heard there was a secret chord / That David played, and it pleased the Lord », aurait dit Leonard Cohen, qui n’aurait pas changé un mot face à Gautier magic Capuçon.

Mais devant les rappels prononcés de Gautier Capuçon après « Schelomo », personne ne pouvait se douter du cadeau offert au public, de la part de celui qui est tout autant chef que lui-même violoncelliste de premier ordre, car oui, Klaus Mäkelä est bien les deux à la fois. Et ce fut, avec Gautier Capuçon, le dernier mouvement d’une sonate pour deux violoncelles de Jean-Baptiste Barrière – ici par Thomas & Patrick Demenga :

Magnifique, et moment privilégié pour le public de la Philharmonie. Applaudissements nourris, belle fraternité et harmonie palpable entre deux musiciens exceptionnels. En deuxième partie de programme, « L’Oiseau de feu » de Stravinski, porté à son pinacle par Klaus Mäkelä et un orchestre de Paris magnifié : des cordes superlatives, des cuivres et des bois inspirées et dynamiques (un bassoniste simplement incroyable), le tout entraîné par la précision de la battue de Mäkelä, et son sens si marqué de coloriste. Les ondulations moirées de l’oiseau, la fureur de Kachtcheï, l’héroïsme d’Ivan : tout y est, grâce à une gamme de couleurs orchestrales où on admire la mise en place effectuée par le jeune chef, qui ne laisse rien au hasard, dans le liant sonore des sections et de l’ensemble. On sait qu’on est là devant l’une des versions majeures de ce chef-d’œuvre de jeunesse (1910) qui va propulser Stravinski au-devant d’une notoriété fulgurante, elle aussi inséparable de l’aventure des Ballets russes, notoriété première qui prépare la véritable révolution du Sacre du printemps, trois ans après en 1913 au Théâtre des Champs-Élysées. Ci-dessous, L’Oiseau de feu par le Philharmonique de Radio-France dirigé par Mikko Franck en 2019. Et grâce à cette science rare du relief qui marque le savoir-faire de Klaus Mäkelä, on est plus à même de contester cette fréquente dichotomie qu’on induit entre L’Oiseau de feu d’une part et Petrouchka (1911) et Le Sacre d’autre part. Car ici, cette marque si puissante du rythme percussif païen qui bien sûr va exploser dans le Sacre, est déjà en germe, allié aux ondoiements mélodiques que l’on sait. L’explosion finale extatique s’il en est fut ici incarné par un orchestre de Paris si brillamment mené par un jeune chef dans lequel le public parisien sait reconnaître le magistère d’un renouveau, depuis sa nomination et à chacun de ses concerts. Une chance qu’on n’a pas encore fini de mesurer.